Творческое объединение «ВНЕ…»  представляет живопись, графику, скульптуру и гобелены совершенно разных художников, считающих искусство материализованной  эмоцией.

Творчество художников объединяет активная работа с цветом и пластикой, честное, некоммерческое отношение к своему делу, позволяющее в любых жизненных обстоятельствах искать свою единственную творческую дорогу. Вне суеты… 

   ГЛАВНАЯ

ХУДОЖНИКИ

ПУБЛИКАЦИИ

ВЫСТАВКИ ГОДА

ВЫСТАВКИ-АРХИВ

НАШИ ДРУЗЬЯ

КОНТАКТЫ

Пути развития современного искусства волнуют всех – публику, искусствоведов и самих творцов – художников. О них много говорят, спорят: кому-то нравятся перфомансы, коллажи, различные построения и видеоизображения. Да, считают их приверженцы, это шаг вперед, кто этого не воспринимает, тот просто ничего не знает и не понимает – надо учиться. А с другой стороны, надо ли? Существует и другая точка зрения – современное искусство нам навязывают из коммерческих соображений, да и из идеологических тоже. У нас и так сплошная американизация: фильмы, мультики, книги, гламурные журналы и т.д. Много чего… И ещё искусство… Каждая нация имеет свой менталитет, она создаёт и воспринимает то, что ей предопределено. И, может быть, нам более свойственно эстетическое и чувственное восприятие, чем умозаключительное. Представляем разговор на эту тему художников, и не просто хороших мастеров, а людей думающих и болеющих душой за наше искусство.

    -Весь двадцатый век с удивительным упорством отрицал устоявшиеся культурные традиции. Почему?

   - Елена Щепетова: Весь пафос двадцатого века строился на том, что человек – венец творения – способен на глобальное переустройство мира. Пафос переустройства очень заразителен. Можно осушить болота, повернуть реки, изменить климат («Нам нет преград ни в море, ни на суше…»). А вот осознать себя частичкой мироздания, необходимого, как узелок в ковре, без которого ковёр расползётся, наверное сложнее, чем быть существом высшего порядка, которому позволено всё. Возникло множество течений и группировок:

футуристы, абстракционисты, кубисты, дадаисты, лучисты, фовисты, сюрреалисты и пр. Подвергалось ревизии всё. Предлагали то разрушить библиотеки и музеи (как итальянские футуристы), то сбросить с корабля современности Пушкина, Достоевского, Толстого (как российские футуристы). Но, тем не менее, они продолжали работать: поэты со словом, художники с пластикой. И Кандинский и Малевич искали новую пластическую систему, соответствующую времени. А отрицание традиций, в конце концов дошло до полной потери смысла, отсутствие которого само стало смыслом так называемого актуального искусства.

  - Елена Горина: По поводу Малевича. Он отрицал старое, хотел создать новое. Но это новое оказалось утопией. В Европе все очень быстро пришли к абстрактному искусству. Малевич и супрематисты хотели избавиться от «текста». Работать с цветом и соотнесением плоскостей, они хотели устроить революцию. Но это ни к чему не привело. Вот и сейчас ничего нового не возникло, а только опустилось до самого низшего уровня миропонимания.

 - Елена Щепетова: На самом деле всё это было. В самом начале прошлого века Марсель Дюшан уже выставил писсуар с названием «Фонтан». Только тогда это было действительно бунтом. А сейчас толчея какая-то: кураторы, акции, перформансы, желание ухватить удачу за хвост. И больше ничего. Нет ни страсти, ни любви, ни ненависти. Пустота! А искусство должно будоражить души. На сегодняшний день вынужденными бунтовщиками становятся художники, работающие в традиционном изобразительном искусстве, отстаивающие пластику, потенциал которой отнюдь не исчерпан и, пожалуй не будет исчерпан никогда.

  -Что же такое актуальное искусство сегодня? Живопись на холсте? Инсталляция? Перформанс? Видеоконструкция?

  -Елена Щепетова: Всё это имеет право на существование. Но прежде всего, художник должен точно выражать свои мысли и чувства теми пластическими средствами, которыми владеет, а актуальным оно будет, если обращается к человеческому в человеке: будит мысли и чувства, вызывает катарсис, а не отправляет пинками в сточную канаву.

  -Елена Горина: В каждом направлении есть личности и есть спекуляции. Сейчас не только в так называемом «актуальном» искусстве мало нового происходит, но и в  изобразительном, и в иконописи есть ощущение топтания на месте. В иконописи это одна причина: традиция была грубо оборвана и нужно время её восстановить и пойти дальше. В изобразительном и «актуальном» причина, по-моему, другая: огромный поток информации «с запада» многих «сбил с толку». Его надо освоить, переварить, осмыслить и остаться собой. Родить новую, осмысленную, прочувствованную форму.

  -Елена Щепетова: Бывает, художник затрачивает массу усилий, создавая какой-то большой проект, а потом пишет разъяснение своей концепции. Возникает вопрос: «зачем же столько затрат, зачем обращаться к пластике, если всё можно выразить в нескольких строчках!».

  -Почему же сейчас таким широким шагом «актуальное» искусство идёт по нашим залам? В чём причина? Одни считают, что на Западе этот жанр искусства уже надоел, а у нас покупают, потому что модно. Другие убеждены, что актуальное искусство – это отражение жизни нашего времени.

  -Елена Щепетова: Это потеря ориентиров.

 - Елена Горина: Лена права. Если есть нравственный ориентир – трудно что-либо навязать. А если его нет, то очень легко сформировать коммерческое отношение к искусству. Конечно на Западе « наелись» этого всего, а у нас ещё нет. Такая огромная территория – почему не навязать нам и модель образования, и модель бизнеса, и даже модель понимания искусства? Это навязывание охватило все стороны жизни. Покупайте, покупайте всё, что мы « напроизводили», копируйте наш образ жизни. А сами они тем временем с удовольствием покупают наше искусство, освящённое духовностью, как драгоценность, и утаскивают к себе в «норку». А мы не сопротивляемся, хотя у нас великолепная школа, и если мы её потеряем, то не восстановим никогда.

  Тоталитарный коммунистический режим. Художники зарабатывали деньги заказами, а потом писали свои работы «в стол». Их накопилось довольно много. Что происходило в 80-е и 90-е годы? Эти работы были вихрем раскуплены за копейки и увезены на Запад. А теперь мы подошли к тому, что если раньше в подполье было одно, то теперь другое – традиционное искусство. Нас кидает из одной крайности в другую.

  -Елена Щепетова: Я однажды услышала, как искусствовед в музее заявил: наконец-то, мы как все, вошли в мировой художественный процесс. Успели, слава Богу, вскочить в последний вагон последнего поезда. Кажется, разогнались, кажется, успеваем. Зачем нам успевать? Мы же другие, нам не надо быть как все. Высшим достижением русского искусства как была, так и остаётся «Троица» Андрея Рублёва. Куда торопимся? Ощущаем свою неполноценность, что ли? Надо быть собой, в конце концов. «Актуальный консерватизм» - как-то сами пришли в голову эти два слова, казалось бы, противоположные, и обозначили необходимость возвращения к общечеловеческим ценностям, к ценностям, позволяющим созидать, а не разрушать.

  -Люди меняются, потому что получают много информации, Мы пережили много разных социальных перемен, поэтому меняется и искусство.

  -Елена Щепетова:Да, конечно. Но в основе всегда должны быть человеческие чувства. Они мало меняются. Они, может быть, притупляются от обилия информации. В молодости я завидовала людям, которые живут в деревне. Они чувствуют времена года, наступление весны, осень, зиму. Они ощущают дождь, снег, восходы и закаты. У них есть будни и праздники. Они живут нормальной человеческой жизнью, соразмерной с природой. Мы уже так жить не умеем.

  -Елена Горина: Да, это замечательная патриархальная жизнь, которая присутствует в прекрасных реалистических пейзажах. Но теперь совсем другая деревня: три немощных старухи, два пьяных старика, забитые дома, несколько страшных коттеджей и куча мусора. Вот это и отражается теперь в искусстве.

 - Елена Щепетова: Конечно, художник живёт здесь и сейчас и не может не воспринимать трагичность времени. Хотя времени не трагичного, пожалуй, и не было в истории человечества. Так, короткие промежутки относительного благополучия. Но художник – не журналист, выезжающий на место происшествия. Художник всё-таки живёт внутренней жизнью. Он проводник определённых чувственных идей, которые висят в воздухе и настоятельно требуют реализации.

 - Мы говорим, что искусство отражает действительность. А что же в таком случае отражает оно сейчас?

 - Елена Горина: Сейчас искусство отражает отсутствие идеи. У меня очень чёткое понимание и отношение к нашему времени. Мы имеем то, что сами создали. Всё, что мы чувствуем и делаем, создаёт духовный и энергетический мир, который также материален, как и то, что мы трогаем пальцами. Разница только одна – как это всё воспринимает душа, которая либо болит, либо радуется. Если мы не будем сопротивляться стремлению всё разрушить, всё и разрушится. Если человек ненавидит или, скажем, не любит всё вокруг и думает только о том, как себя «пропиарить», то получаются такие произведения. Искусство, по сути, - умножение какого-либо образа. По- моему, надо думать – образ ЧЕГО ты умножаешь.

  -Елена Щепетова: Смирение должно быть, христианское смирение. Надо делать то, к чему ты призван. В этом и выражается сопротивление происходящему. Не очень понимаю, что происходит в душе у людей, когда они разрушение возводят в ранг произведения искусства.

  -Елена Горина: Да, утрачено понятие красоты, утеряно! Искусство должно обращаться к высшему, оно не должно отражать безобразную сторону жизни. Нельзя души опускать «ниже плинтуса». Когда в юности писали, ещё не было сознания того, что творишь и зачем. Потом пришло понимание. Началась «перестройка». Очень много было плохого, трагичного, страшного. А я художник, и всё это у меня на полотне. В какой-то момент я посмотрела и поняла, что грязь множится и конца-края этому нет. Я сказала себе: «Стоп»! Чего бы негативного я не увидела – на холст я это не понесу. Потому что, если я скину это на холст, я умножу негатив и передам его людям – что очень похоже на выбрасывание мусора под забор.

 -Елена Щепетова: Не совсем согласна. Художник может обращаться к любым темам, даже самым страшным, насколько ему хватит сил. Примеров этому в истории искусства множество, Один Гойя чего стоит. Главное – как это сделано, с каким отношением. Если это просто фиксация факта, холодная и равнодушная, а ещё хуже – с эстетским любованием, то лучше не надо.

 -Может быть, настало время иных молодых людей? Могут же они получать удовольствие от жутких децибелов на дискотеках! Они так живут и отдыхают.

 -Елена Щепетова: Нет. Я ориентируюсь на молодёжь. У моих взрослых детей чаще всего изыски так называемого «актуального» искусства вызывают вопрос – зачем?

 -Елена Горина: Я проверяю свои возрастные ощущения на дочери, на её окружении. Она с недоумением смотрит на инсталляции и перформансы. Дочь говорит, что, может быть, это было бы интересно в цирке или где-то на аттракционах, но вообще это просто некрасиво. Пастель, акварель – живого движения кисти, карандаша ничто никогда не

заменит Это другое искусство. Соседствуют же в искусстве ХХ века разные направления. Думаю, всё по местам встанет, если мы сами не задавим в себе собственно человеческие чувства.

 -Сейчас можно увидеть много передач, связанных с Космосом, в мире могут произойти глобальные изменения. Так, может быть, актуальное искусство – это не тупиковая ветвь? Может быть, оно трансформируется в иное направление, какое мы и представить пока не можем?

 -Елена Щепетова: Я думаю, не наше дело задумываться о таких вещах. Мы живём здесь и сейчас и должны жить с ценностями этого мира. Мироздание до конца познать невозможно. И в будущее, сколько не пытайся, не проникнешь. Мы должны жить сегодня, служа добру и гармонии, а не в ожидании катастрофического будущего.

 - Елена Горина: Сейчас очень ощущается потребность восстановления духовности человека – во всём. Ощущение появления чего-то нового во всех жанрах висит в воздухе.

          Редакция благодарит художников за беседу.

Е.Щ. Михаил, Вы – коллекционер. Чем Вы руководствуетесь, выбирая произведения для своей коллекции?

 М.А. У меня критерий оценки один: вызывает ли во мне произведение душевную боль. Я считаю,    что это главный критерий, который относится к любому искусству. Мне важно увидеть  драматический элемент. Напоминание о нашей жизни, о ее быстротечности, хрупкости, бренности. Есть классический пример – голландские натюрморты, где роскошество, но мы знаем, что это все уже умерло. Это хрупкость жизни... Я ничего нового не открыл. Но для того, чтобы понять эти простые вещи, мне понадобилось 20 лет.   Я называю это напоминанием о смерти. Со мной спорили великие художники. Говорили: « А Матисс, это что - напоминание о смерти?». Я говорю да.

Е.Г. Е.Щ. Оно может быть разным, это напоминание. Некоторым надо о жизни напоминать.

Е.Щ. Как Вы думаете, до каких пределов свобода художника распространяется? Или ее можно считать неограниченной?

М.А Это очень сложный вопрос. Дело в том, что у любого большого художника всегда должен присутствовать элемент эпатажа. От него никуда не денешься. Потому что все-таки большой художник всегда делает какое-то новое движение.

Е.Щ. Но существует ли движение в искусстве? Движение, конечно, существует, но то, что было вершинами тогда, остается вершинами и сейчас. Прогресса никакого быть не может?

М.А. Не может. Суть одна и та же. Методы меняются. И то, что искусство использует новые изобразительные средства: видео, «медиа». Ничего плохого я в этом не вижу.   Дело в том, что в ХХ веке произошли страшные социальные сдвиги, страшные вещи. После Освенцима, после наших лагерей искусство уже не может быть таким, как раньше.  

Е.Щ. Е.Г. Но может ли художник опять опускать человека в эту страшную яму,? Вот на Винзаводе проект – «Город рабов» . Ничего кроме омерзения он у нас не вызвал. Зачем это?

М.А. Я не знаю. Была выставка в «Гараже» из коллекции Пино. Там были вещи, которые мне тоже отвратительны.  У меня очень сложное  взаимоотношение с современным искусством. В « Гараже» мне понравился один проект, это Ирина Штейнберг. Она сделала такой странный проект со странным названием, что-то вроде «Я есть - меня нет». Он сразу напомнил мне такого художника Он Кавара, он еще в начале 60-х годов на цветных холстиках писал дату и параллельно собирал архив: газеты, дневниковые записи, относящиеся к этой дате. Архив лежит отдельно и его при желании можно посмотреть, этот художник есть во всех музеях. И когда смотрю на эту дату, сразу думаю, что я делал в этот день? Вижу эту дистанцию - в этом напоминание  о смерти и быстротечности жизни. Там еще есть какой-то эстетический  и пластический момент тоже. Мне очень трудно это объяснить, но в этой сдержанности есть своя пластическая идея.

Е.Щ. Я знаю людей, которые уходят в так называемое концептуальное искусство, когда у них не получается идти вглубь в традиционном станковом искусстве.

Е.Г. Пластика не поддается.

М.А. Это очень интересно. Вот Дениэл Херст, самый скандальный и самый провокационный, возвращается к живописи. Конечно это «та еще» живопись. Понимаете, никогда от этого не уйдешь, от плоскости, на которой можно что-то изобразить, и Дениэл Херст, после всех своих разрезанных коров и законсервированных акул, возвращается к живописи. Я понимаю, у меня к нашим ребятам большие претензии. Во-первых, они все, все время смотрят  «туда»..

Е.Г. Ну посмотрели, надо же переварить.

М.А. И шестидесятники тоже смотрели. Я просто знаю, в библиотеке сидели и смотрели. Но несколько прорывов у нас было. Я, например, считаю Малевича нашей национальной гордостью. Кабаков, которого я очень люблю,  потому что Кабаков экстраполировал модель нашей коммунальной квартиры на весь мир. А эта мысль мне очень близка. Потому что мы не можем не знать, что в одной части земного шара люди голодают, в другой вырезают друг друга в конфликтах сотнями и тысячами, а из абсолютного комфорта едут отдыхать в Юго-восточную Азию, поднимается цунами,  и в несколько минут, исчезают  с лица земли 150 тыс. человек. Мне кажется, Кабаков что-то такое зацепил. Я  думаю, что он неслучаен. Конечно, в нем есть элемент игры и эпатаж. У меня есть две его маленькие работы, я очень их ценю.

   Е.Щ. Почему произошло разделение на традиционное, и так называемое современное   искусство? Вот  Биеннале современного искусства, все остальное уже не современное что ли? Это разделение довольно странное?

М.А. Это – бизнес и коммерция, то, что нас сейчас так разделяют. Вот Катя Дёготь, которую я глубоко уважаю, потому что она пишет блестяще. Она написала книгу с громким названием – «Русское искусство ХХ века». Большая часть книги посвящена послевоенному искусству (которое я собирал). В этой книге нет имен очень значимых. Они даже не упомянуты. Где Краснопевцев? Где Вейсберг?. Что это? У нее один художник в ее книге – Кабаков. Ну, она там чуть-чуть упоминает Шварцмана, Злотникова… Все – никого больше не было. Я уже не спрашиваю, а где Николай  Иванович Андронов, где Павел Федорович Никонов и так далее? Понимаете?

Е.Г. Никонова и Андронова мы все-таки знаем, а ведь есть хорошие художники работающие сейчас. При таком подходе их вообще никто не узнает?

М.А. Это то, чем я тоже занимаюсь. Несколько имен – художники с драматическими судьбами, рано ушедшие, такие как Саша Камышов, Горохов – не скажу, что я продвинул их на очень большую высоту, но все-таки я их в какой-то степени сделал известными.

Е.Г. Михаил, а вот из того, что вы видели в «Гараже» вы себе в коллекцию что-нибудь бы выбрали?

М.А. Мне понравилась работа Иры Штейнберг, и я хочу ее купить, но что я буду с этим делать? Нет, я сложу в коробочку, и там бумажка какая то, и так вообще можно. Как собирать современное искусство? Вы меня спросили, что из того, что в «Гараже»? Вот этих старичков, которые разъезжают в инвалидных креслах.

Е.Г. А зачем, они какую то драму создают, что ли? Что они Вам дают? Или в качестве цирка в доме?

М.А. Да, конечно современное искусство все время балансирует на грани чудовищной пошлости, и все же что-то в нем есть.  Мне нравятся работы Спенсера Туника. Я считаю, что его творчество, эти фотографии, может быть даже довольно грубо, отсылают к опыту концлагерей. Это как раз искусство после Освенцима. Когда эти толпы голые лежат на площадях, это контраст человеческого тела хрупкого, и этого всего, и делает он это очень умело, обыгрывает мастерски. Он иногда включает их в природный ландшафт, и тут возникает контраст с этими камнями. У меня такая работа. Они где-то лежат в природном ландшафте, не на улице. А на улице еще драматичнее. И даже вот эти девушки, которые сидят на драных матрешках, что-то в этом есть.

Е.Г. Что произвело на Вас впечатление за последний год  на нашем художественном пространстве?

М.А.  Что на меня произвело впечатление? Да ничего. Вот сейчас я был в Вене, посмотрел выставку, посвященную импрессионистам. С таким, пожалуй, вульгарным названием «Как свет пришел на холст», но гениальная выставка, гениальная. Ну что нам эти импрессионисты, в России они роскошные, в Вене все  они есть, мы их тысячу раз видели, но как продумана экспозиция, боже мой! Там нет надоевших, набивших оскомину вещей, там много вторых имен. Это гениально сделанная экспозиция

Е.Щ.Показ произведений искусства – это тоже искусство. Если «традиционное» экспонировать с таким же размахом как « актуальное», еще неизвестно что будет интереснее…

Е. Г. Михаил, Вы с восторгом говорите о традиционном искусстве, а сами себя позиционируете поклонником современного концептуального искусства.

М.А. Я не делаю различий. Искусство всегда было концептуальным. Древний человек делал наскальные рисунки, и это тоже было концептуально.

Е.Г. Тогда кто и зачем это разделяет?

М.А .К сожалению есть политика, есть ангажированность и есть рынок. А что, надо торговать. И художник хочет продать работу, и дилеры хотят зарабатывать. Огромное количество художников, а хороших художников всегда было мало. И все примерно одно и то же. А я думаю, что в этом самом «Гараже», может быть, было пять настоящих вещей. Мне очень нравится Марина Абрамович. Я видел ее живой перформанс, который она представила на вручении премии Кандинского. Это абсолютно современное искусство. В нем есть мысль и красота.

 Е.Щ. Значит мы приходим к чему? Любовь. Боль. Красота. Все эти понятия – они должны быть. В прошлом году в галерее А-3 Вы делали выставку фотографий сердца. Как возникла эта идея?

М.А Леонардо да Винчи сказал так (это подлинная цитата): «Сердце -  чудесное орудие, созданное верховным  художником». Гёте гениально догадался, что гармония человеческого тела – она абсолютна. Он написал так:  искусство хирургии – это божественное искусство, потому что оно имеет дело со священным человеческим образом и если его божественная гармония где-нибудь нарушена, то задача хирурга ее восстановить. Мы используем методы, как художники – на глаз, руками. И каждый раз - индивидуально. Надо воссоздать утраченную гармонию. И вот я попытался показать две вещи: что, во-первых, само сердце является высшим творением; во-вторых, что хирург, как художник должен постараться приблизиться к Божественной гармонии.

Е.Г. Зачем тогда «произведения», которые гармонию просто уничтожают? Зачем?

М.А Я не стал бы обобщать. Я просто думаю, что в этом искусстве, как в любые времена есть мастера и есть подмастерья. Хотя на самом деле еще неизвестно, кто из них со временем окажется мастером. Когда ты видишь, что это сделано не случайно, не для того чтобы продать, не для того, чтобы это висело в музее… Метод – любой. Но должно быть настоящее. Можно позволить себе очень многое, но в пределах этических. Не надо, конечно, примитивно понимать эти критерии этические.  Настоящих удач мало. Всегда мало. И это любой коллекционер понимает.

Е. Г. Е.Щ. А Вы будете показывать свою коллекцию?

М.А. Я хочу один раз взять и показать всю коллекцию. Я бы хотел показать много, понимаете, у меня тысяча вещей…

Елена Горина и Елена Щепетова благодарят Михаила Алшибая за беседу.

(Все картины, публикуемые в статье, находятся в коллекции М. Алшибая)

Здесь представлены

недавние публикации

в средствах массовой информации

о творческом объединении "ВНЕ...",

художниках

и

выставках объединения

В ближайшее время в этой колонке появятся ссылки на все другие публикации:

в газетах, журналах, передачах каналов ТВ, радио, на сайтах

Газета "Галерея изящных искусств" №6, июнь2009 Рубрика "ПРЕДСТАВЛЯЕМ" ХОРОШИЕ И РАЗНЫЕ ПУБЛИКАЦИЯ О ВЫСТАВКЕ ТВОРЧЕСКОГО ОБЪЕДИНЕНИЯ "ВНЕ..." В ЦЕНТРАЛЬНОМ ДОМЕ ХУДОЖНИКА

Всех нас, особенно людей творческих, рано или поздно настигает момент, когда хочется, отодвинув "груду дел, суматоху явлений" (В. Маяковский), остановиться, оглянуться и попытаться понять: камо грядеши, в ту ли сторону? Делать это наедине с собой, любимым (-ой) - непродуктивно: нужны чужие мнения, лучше бы людей, близких по духу...

Вот так несколько московских художников, давно знакомых друг с другом, исповедующих приблизительно одни и те же ценности и готовых выслушать спокойно чужие мнения о себе, на коллективных началах устроили в ЦДХ выставку своих работ под названием "Вне суеты", чтобы, собравшись вместе, не спеша, сверить, так сказать, часы. Объединяли их возраст (почти все родились в середине 1950-ых), необходимость жить собственным трудом, честное отношение к творчеству и нежелание идти на поводу у кого бы то ни было. Творческие манеры участников выставки различны, но не без некой схожести: все они представляют собой различные варианты дрейфа от фигуратива к беспредметности. Причем это не подстраивание под моду, а внутренняя необходимость. Все они опытные рисовальщики, участники множества выставок дома и за рубежом, воспитанники Суриковки и других почтенных учебных заведений, где реалистический метод вбивали в них настойчиво и целеустремленно. Так что рисовать они умеют. Но когда лобовое отображение действительности уже не удовлетворяет художника, дерзнувшего выразить невыразимое: отвлеченные философские категории, внутренние сущности явлений или параллельные миры, - ему приходится вступать на зыбкую, мало исследованную почву абстракции.

Экспозиция получилась весьма эффектная благодаря ее автору, Владимиру Солдатову, являющемуся не только художником, но и сценографом. Он сумел использовать не самый удобный зал ЦДХ очень выигрышно, создав некое замкнутое пространство, ограниченное с одной стороны индивидуальными выгородками, а с другой - двумя общими стенами, представляющими всех участников. Каждая выгородка, открытая во внутренний "двор" экспозиции имела на входе оригинальную скульптуру работы Ольги Карелиц. И случилось чудо: разношерстные по стилистике, манере, содержанию индивидуальные подборки слились в единую, достаточно цельную композицию, где каждая из составляющих поддерживала соседнюю, оттеняя свои и ее особенности. Нашлось место всем: умеренно кубизированным натюрмортам А. Ваганова, "розовым туманам" Е. Гориной, уходящим в никуда таинственным трассам Е. Щепетовой, лаконичным гобеленам О. Великодной, пейзажам А. Коровина и М. Щепетова, метафизическим у первого и вполне даже реалистическим у второго. Положа руку на сердце: выставленные по отдельности работы участников были бы хороши, но не столь эффектны, более обыденны, что ли. Сбившись же в конгломерат, они создали очень необычную "сверхКомпозицию", о которой поодиночке и не мечтали...

Так что участникам выставки явно ни к чему разбредаться вновь по своим углам: творческая группа состоялась, может и должна держаться вместе.

И "в порядке бреда": может быть, когда-нибудь группа "Вне..." и вправду создаст общую "сверхКартину", но уже сознательно, продуманно, осмысленно. Автору этих строк довелось видеть такую на стенах древнего пещерного комплекса, где тоже были индивидуальные пещерки-выгородки, открытые на общую площадку, украшенную фигурками будд. Это было очень давно и в другой, очень далекой стране...

Олег ТОРЧИНСКИЙ,

искусствовед

Выставка объединения «Вне» с интригующим, ожидаемым и каким-то очень понятным названием – «Вне суеты» – внесла оживление в размеренную жизнь ЦДХ в последних числах апреля 2009 года.

Любопытно то, что «выходить» художникам особенно неоткуда: художественное пространство лежит бесхозным, ничейной территорией, на которой осуществляют свои интересы некие странные силы. Выставочный процесс, подчинённый идее продаж, всё более очевидно теряет связь с реальностью – и в том смысле, что перестаёт отражать положение вещей в искусстве, и в том, что сама вовлечённая в него действительность предстаёт в ложном свете.

И дело не в том, что художникам нужны некие массовики-затейники, способные «гнать волну». Просто в новых обстоятельствах пришло время переписывать всю систему координат: кто это такой – художник в этой новой реальности? Каково его место? В чём смысл его действий? Каков способ его существования? Что делать со всей, доставшейся ему палитрой возможностей и умений? Кому нужны его индивидуальные прозрения?

Совершенно ясно, что на эти вопросы нет административных ответов, и у художников нет претензий к тем слабым организациям, в которые они объединены. Речь идёт о ясном понимании и констатации факта, что надеяться больше не на кого. Вместо бесплодных надежд и попыток кого-то обвинить нужно радоваться тем бесценным дарам, которые даны каждой творческой личности, нужно развивать свои умения, не оглядываясь на условия, которые предлагает или не предлагает социум.

Собственно, об этом проект. Нет в нём ни вызова, ни лихости, ни бравады, ни желания кому-нибудь насолить, кого-то задеть. Вместо этого художники утверждают, что пришло время задавать главные вопросы: «что такое добро и зло, правда, любовь, красота, и кто мы в этом мире»? Они призывают вспомнить нравственные основы искусства. Пытаются напомнить о ценностях, заключённых в природе пластического языка.

Посмотрим теперь на то, что было показано участниками в рамках экспозиции. Дело ведь не в том, чтобы просто обозначить себя в контексте – важна как раз содержательная сторона, само искусство, которое художники стремятся освободить, вывести за рамки обстоятельств, мешающих его существованию и восприятию.

Живопись на бумаге Андрея Коровина – по способу обращения с краской, нежностью и прозрачностью цвета, мягкостью переходов и сближенностью, ненасильственностью контрастов близка работам его отца – мастера акварели, живописца, литографа и иллюстратора Ювенналия Дмитриевича Коровина. В рамках данной экспозиции Андрей Коровин отдал предпочтение нефигуративным работам на холсте и бумаге. Склонность к нефигуративным построениям зрела в творчестве художника постепенно. Как результат осмысления пространственной природы цветового пятна, как следствие стремления к гармонии целого, как способ обобщить зрительные впечатления. В этих композициях деталь почти утрачивает описательные характеристики и рассматривается как элемент, уравновешивающий пространственное и цветовое решение.

То же можно сказать о живописи многих современных художников – но всегда важно, как подобное видение осуществляется в каждом конкретном случае. 

Большая роль в композициях Андрея Коровина отведена геометрии, рождённой, как и в ещё не предвещающих абстрактных решений работах его отца, в процессе письма, в ходе освоения и осмысления изобразительного поля, как целого. Художник вспоминает слова Ювенналия Коровина о том, что в живописи не должно быть разделения на «важное и второстепенное». Речь идёт о трепетных линиях, возникающих на границе тени и полутени, в диалогах бликов, ритмах освещённых и затенённых частей. При таком подходе случайности перестают быть случайными, но создают собственный неповторимый характер живописи.

Видеть и абстрагировать так, чтобы не утерять связи с реальным и конкретным – задача не из лёгких. Здесь, возможно, находится самое интересное, что таит в себе изобразительное искусство.

Абстрактные работы Андрея Коровина чаще всего вызывают ассоциации с пейзажем. О том же говорят их названия: «Первый день весны», «Лунный свет», «Деревня». В них действуют выразительные диагонали, дуги, потоки света, ощутимо разделение на «верх» и «низ», определённо присутствует тектоника, плоскости стремятся занять единственно правильное место. В каком-то смысле, с точки зрения целого, это и является основной задачей живописи. Не так уж важно, соломой или железом крыт дом, если речь идёт о сущностях, не столь существенно, что цветёт – черёмуха, или вишня, - важен этот неповторимый белый, появляющийся в отведённое ему время. Важно, чтобы он появлялся. 

Интересный вариант трансформации визуальных впечатлений дают предельно концентрированные по цвету пастели Елены Щепетовой. Гиперчувствительные к линейной и пространственной структуре изображения, эти полноформатные станковые работы подходят вплотную к эмансипации цветовых пятен и плоскостей.

Вместе с тем, пятно, линия и плоскость в данном случае подчинены целостному состоянию – переживанию и созерцанию пространственно-цветовой стихии.

В каком-то смысле Елена Щепетова изображает не зримое, но знаемое, ищет то состояние природы, которое почти невозможно увидеть. Между тем, мы узнаём его, оно знакомо каждому, кто бывал в вечернем поле, видел степь, горы и – небо, обнимающее всё, что под ним.

Нельзя не привести собственные слова художника: «Ощущение радостного единства с мирозданием… стало главной темой моего творчества. Все изобразительные средства, которыми владею, служат для передачи того, о чём догадалась когда-то в детстве, глубоко чувствую и понимаю сейчас».

От близких к натуре штудий, в которых ощутим сырой драматизм сиюминутного состояния природы – такова серия работ, созданная в горах Кавказа, – Елена Щепетова со временем приходит к свободным от всего второстепенного композициям-созерцаниям.

Это созерцание не становится «надмирным», в нём нет холодного пугающего космизма. Тёплый, зовущий простор её пейзажей открывается зрителю так, как открывается он душе ребёнка, впервые познающего мир – в его благодатной, обращённой к нему бесконечности.

В основе живописи Елены Гориной лежит яркий эмоциональный импульс, вызывающий гармонические колебания столь отвлечённые от обыденных реалий, что, кажется, они с трудом могут быть воплощены в узнаваемые образы.

Её холсты сочетают в себе остро осязаемую, иногда даже грубую фактуру с тончайшими переходами цвета, почти свободного от линейных ограничений формы, поскольку не всегда можно сказать, в какой момент он превращается в свет.

В экспрессивной фактуре угадывается определённый вызов, если не академической школе, которую Елена Горина вспоминает с искренней благодарностью, то всему, что сковывает свободу выражения, мешает проявиться энергиям, переполняющим художника.

Собственно, энергия и свет – вот два слова, которые просятся в качестве определения смысла этой живописи. Для нас очень важно, что речь не идёт о жёсткой силе, абсолютно внеположной человеку, опознаваемой как взрыв, как вспышка. Если в работах начала 90-х годов, связанных с индивидуальным религиозным поиском, свет понимается художником, как приходящий извне, пронзающий, лишь на мгновение проникающий в тёмное безблагодатное лоно бытия ("Благословение" 1991, "Молитва”, 1991), то в работах, представленных на выставке объединения, свет воспринимается, как неотъемлемая часть жизни. В этой жизни есть место фантазии, капризу, мимолётным эмоциям, казалось бы, никак не связанным с постижением глубин и высот духа.

Свет этих работ – земной, тёплый, осязаемый, им пронизано всё, это свет радости бытия, которую не нужно объяснять, потому что она знакома всем.

И мы понимаем, что именно так проявляется небесное в земном. Божественная сущность не насилует, но милостиво присутствует, ждёт ответа и, как сказано в «Огласительном слове на Пасху» Иоанна Златоуста, «намерения целует».

 Ольга Великодная, выпускница Художественно-промышленного Университета им. С.Г. Строганова (1999 г.) – самый младший участник объединения. Не покидая поприща, связанного с художественным текстилем, Ольга, по существу, подошла к решению пластических задач, стоящих перед монументальной живописью.

Её масштабные работы выполнены в очень интересной технике нетканого гобелена. Основным материалом для них служит цветное волокно, пропущенное через чесальную машину. Обрезки цветной пряжи смешиваются в различных пропорциях, и в результате обработки – «расчёсывания» художник получает смеси волокон различных цветов и оттенков. В частности, Ольга отмечает художественный эффект, возникающий в случае неполного смешения волокон.

Эти цветные смеси являются исходным материалом, из которого Ольга Великодная составляет – выкладывает на холсте яркие поверхности, одновременно напоминающие войлок и настенную роспись. Окончательно волокно закрепляется на основе при помощи иглопробивной машины.

Данная техника во многом ограничивает художника и, вместе с тем, непосредственно подводит его к такому обобщению, которого живописец добивается далеко не сразу и ценой значительных усилий.

Ольга экспериментирует с плоскостью, линией, наложением тонких слоёв одного оттенка на другой. Ей удаётся постепенное изменение цвета в границах одного пятна. Но главными выразительными средствами этой техники остаются мягкий контур и плоскость, и, конечно же, цвет, полученный столь необычным образом – в результате смешения различно окрашенных волокон.

Наиболее удачными представляются пейзажи и натюрморты, в которых художник избегает прямых линий и острых углов. Ветви деревьев, набранные из цветных полос, лепестки цветов, полосатые тыквы, вобравшие в себя множество тёплых и холодных оттенков, алые и пурпурные кровли, прорезанные голубыми тенями, - везде работает чистый цвет, композиция решается без лишней детализации, форма возникает естественно, из соотношения пятен.

Живопись Александра Ваганова построена на совершенно иных принципах, её источником служит наблюдение и аналитическое исследование зримого. Художник, с одной стороны, выявляет в предмете возможные элементы обобщения, позволяющие приблизить его к более простой и логичной геометрической форме, с другой, – обнаруживает в нём некий дополнительный текст – своеобразный арабеск из секущих плоскостей, конструктивных линий и углов.

И тот, и другой план изображения (обобщающий форму и выявляющий конструкцию) присутствуют на холсте одновременно, что придаёт живописи необходимую сложность. Вместе с тем, эта пластическая игра не выходит на плоскость, но разворачивается в иллюзорном пространстве, обладающем глубиной и усложнённой оптикой. Изображённые предметы по большей части не теряют объём, сочетая признаки прямой и обратной перспективы.

В каком-то смысле Александр Ваганов не удовлетворён видимым миром, ему необходимо проникнуть в его скрытую суть, показать богатство и волшебство, не доступное обычному, незаинтересованному взгляду.

 Раковина с экзотического побережья, бутылка тёмного стекла, веер, самурайский меч, изысканная драпировка – сами по себе не достаточны. Как бы хорошо ни был составлен натюрморт, как тонко и красиво ни пиши его, трудно избежать скуки, если не сделать усилий, если не умеешь смотреть.

Нет. По воле художника переломится прямая, мятая бумага ощетинится окаменевшими гранями, стекло вспомнит свою кристаллическую природу, а несколько бутылок превратятся в театр теней, разыграют чуть ироничную пьесу в духе ретро.

Тёплым юмором и радостью непринуждённого рисования раскрываются работы архитектора Максима Щепетова. Его живопись большей частью живёт на бумаге, что подчёркивает её свободный, необязательный характер. Необязательный в том смысле, что она не связана условностями и императивами, так часто мешающими проявиться человеческому началу в изобразительном искусстве.

Максим Щепетов, напротив, ради незамутнённой реакции готов пожертвовать правилами, отказаться от серьёзной мины «взрослого» искусства.

Временами его листы можно спутать с детскими рисунками. В них проступают черты примитива и фовизма. Одной из характерных примет – является цветной контур предметов, линии и полосы, делающие эту живопись декоративной и в буквальном смысле «полосатой» – нарисованной.

 Цветной контур в живописи фовистов принято считать выражением субъективного эмоционального начала, протестом против претензии на объективность взгляда, свойственной импрессионистам. В этих контурах часто заключено всё описание предмета.

Подобным же образом Максим Щепетов рисует не предметы, но своё отношение к ним и отношения между ними. Содержанием его живописи становятся отношения между знаками поэтического языка, который художник изобретает, переходя от натюрморта к пейзажу, от усадебного парка к заснеженному гаражу, от продавца шаурмы к событиям на деревенской улице с покосившимися столбами, палочками и точками, напоминающими козу, петуха, яблоню с яблоками…

Имеет смысл разделить работы Максима Щепетова на фантазийные и определённо навеянные натурой. Это не сразу понятно, но именно последние представляют наибольший интерес, поскольку передают особенные отношения с реальностью.

Часто художник обращается к самым банальным мотивам городского пространства, к тому, что горожанин видит каждый день и не замечает, равнодушно проходит мимо.

И здесь происходит чудо: гараж меняет окись хрома на пыльную бирюзу, продмаг надевает розовый палантин и зачарованно дремлет под синим вечерним городским небом, обычная окольная дорожка в спальном районе ведёт в сказочный мир красок, к полосатому как тент небу над золотыми звёздами одуванчиков.

Рисунки, графические работы, эскизы костюмов и декораций, представленные в рамках выставки Владимиром Солдатовым, можно рассматривать как наброски замыслов и дневниковые записи, фиксирующие мотивы пространства и пластики. Владимир Солдатов около 30 лет является главным художником московского драматического театра «Сфера» и вся его деятельность, как сценографа, дизайнера, живописца и рисовальщика подчинена самому важному делу – делу синтеза, осуществлённому в условиях сценического действия. В багаже художника более 50 декораций к спектаклям. Его деятельность отмечена почётными званиями и наградами.

Зрительный зал театра «Сфера» спроектирован так, что присутствующие максимально вовлечены в пространство спектакля, сцена и места для зрителей не противопоставлены друг другу, а соединены в одно целое. Такое единство требует особых концептуальных решений: декорация в данном случае не может замыкать пространство сцены, поэтому она есть везде – в виде пластических и визуальных объектов в центре зала, над залом и даже позади зрителей. Таким образом, декорация спектаклей является принципиально пространственной, художник проектирует не плоскость, но, прежде всего, атмосферу, среду. И актёры, и зрители на время представления включаются в грандиозную трансформируемую инсталляцию, живущую в соответствии с ритмами драматического действия.

Личность театрального художника, как правило, без остатка растворена в конечном продукте – оформлении спектакля. Поэтому так интересны дополнительные материалы, приоткрывающие завесу тайны.

В рисунках Владимира Солдатова живут фрагменты интерьеров, собранные из соломы карандашного штриха, разнобой парижских фасадов, эскизно намеченных пастелью, лестничные пролёты, вписанные в причудливо изогнутые и изломанные объёмы старых домов. Художник сохраняет для памяти мотивы фигур из спектакля повседневности – чернокожих эмигрантов, неунывающих продавцов рыбы, лица современных Пьеро, вечерний свет и сиреневые сумерки.

Помимо участия в экспозиции Владимир Солдатов выступил в качестве её автора.  Ему принадлежит идея организации пространства: каждый художник получил отдельно выстроенный мини-зал, была определена последовательность авторских мини-экспозиций, а также – общее выставочное пространство, в рамках которого работы участников образовали определённую последовательность.

Удачей Экспозиции стало включение в каждый мини-зал – изящного и тонкого пластического объекта, вышедшего из рук скульптора Ольги Карелиц. Пластика такого уровня может украсить любую выставку, но в данном случае она оказалась связующим звеном, по-своему дополнила живопись каждого художника.

Возможно, излишне обобщая, можно сказать, что характер скульптур Ольги Карелиц является результатом обращения к античной пластике – её парадоксальному прочтению форм человеческого тела. Коры и Куросы доклассической Греции с непропорционально вытянутыми конечностями, геометризованным силуэтом, греческая вазопись, хранящая эстетику более древнего «геометрического стиля» (9 – 8 век до н. э.), да и сама форма древних сосудов – переосмыслены Ольгой, увидены сквозь призму средневековья и Возрождения, соотнесены с принципами традиционного африканского искусства.

Этот поиск серьёзен – в нём внятно обращение к основам, из которых произросли достижения Классической Греции, Ренессанса и Классицизма. Вместе с тем, это попытка найти универсальное выражение универсальным вопросам. Как уйти от вульгарной конкретности, соотнести условное с чувственно-телесным, приблизиться к языку символов, не потеряв связи с живой реальностью?

Всякий раз, как художник или скульптор подходит к точке такого сближения, рождается индивидуальность: индивидуальное вне универсального не существует, оно слишком субъективно.

Ольга Карелиц работает и с плоскостью. Речь идёт о пластах глины, покрытых глазурью. На них изображены сцены, восходящие к сюжетам «Троицы ветхозаветной» и «Тайной вечери». Можно уловить в них и отдалённое влияние японской гравюры. Естественная грубость материала и утончённость рисунка, простота композиций и убедительность цветового решения соединяются в замечательные произведения искусства.

Подводя итоги обзора, хочется отметить, что у каждой выставки есть, по крайней мере, два плана – один связан с внешним бытием искусства, с необходимостью это искусство показывать. Сюда относятся проблемы экспозиции, столкновения идей и направлений, противостояния внешним препятствиям. В этой части выставка оказалась блестящим проявлением решимости и организованности группы художников. Экспозиция была проработана и выстроена в соответствии с тщательно продуманным планом, что стало приятной неожиданностью на фоне обыденных и скучных экспозиционных решений большого количества выставок.

Но есть и внутренние проблемы развития искусства, о которых говорят и пишут мало, предпочитая комплиментарные отзывы глубокому и пристальному взгляду. Однако, стоит присмотреться, и вас удивит обилие животрепещущих тем.

Илья ТРОФИМОВ, искусствовед

15 мая 2009 г.

 Они учились в одних и тех же институтах, или участвовали в общих показах,  или состоят в одних и тех же творческих союзах, а иногда их работы входят в одни и те же  коллекции. Но не эти земные дела объединили восемь художников в рамках одной выставки, прошедшей в Центральном доме художника в апреле-мае 2009 года, и в творческое объединение – по жизни. Этих мастеров связывают не программы и манифесты, а близкое отношение к жизни, творчеству, искусству, в котором они видят материализованную эмоцию, приблизительно один возраст (за небольшим исключением) и – несомненно – один язык, позволяющий сразу узнать «своего» человека.

Творческое объединение «Вне…» родилось в 2004 году вместе с  выставкой «Крымский пленэр», которую сделали несколько художников по итогам поездки в Гурзуф. Выставка в ЦДХ – вторая. Все участники – Александр Ваганов, Ольга Великодная, Елена Горина, Ольга Карелиц, Андрей Коровин, Владимир Солдатов, Максим и Елена Щепетовы – состоявшиеся мастера, получившие академическое художественное образование, за плечами которых уже не одно десятилетие творческой работы и участия в выставках. Произведения их находятся в музейных и частных собраниях в России и за рубежом. Но в череде отчетных и персональных выставок терялось нечто важное. «Нам хотелось показать пластические связи в творчестве, то, что объединяет художников среднего возраста, воспитанных русской художественной школой. Мы работаем  в разных жанрах и стилистике, но единонаправлены в стремлении создавать образ радости мира», - рассказывает о выставке Елена Горина. В названии группы «Вне…» отразилась характеристика самих себя и собственного творчества, стоящего вне художественных направлений, коммерции, социальных тем, оставляющего все суетное за пределами мастерской.

«Вне суеты» – и  название выставки и объединяющая их творческую жизнь тема. Художники не ставили перед собой задачу исполнить ряд «сочинений» на заданную тему, потому что она и так всегда сопровождает их. Они просто показали работы последних лет.

Александр Ваганов говорит, что главная его творческая тема – наслаждение предметным миром. Но строгие тщательно скомпонованные натюрморты наводят на мысль, что скорее анализ и пристальное внимание к предметному миру руководит художником. Что подтверждается следующими его словами – скупыми, ритмичными и емкими: «Усиливаю звучание формы. Выбираю самое важное. Отбрасываю лишнее. Делаю качественный отбор, чтобы работа волновала прежде всего меня самого. На фундаменте опыта мастеров авангарда начала ХХ века (Брак, Петров-Водкин, Григорьев, Пикассо) возвожу своё живописное здание». Здание – именно это слово приходит в голову при просмотре его работ! Натюрморты Ваганова выстроены словно архитектурные сооружения со сложной конструкцией, акцентированным «скелетом» композиции. Авангардисты же и даже современники-коллеги непосредственно присутствуют в его работах – в ткань произведения художник включает супрематические и кубистические мотивы и чтобы выдержать правила игры – фрагменты композиций вдохновителей стиля.

Ольга Великодная работает в иглопробивной технике нетканого гобелена. «Моё кредо – «раскрасить всё». Окружающий нас мир гораздо интереснее и ярче, чем кажется на первый взгляд. Я хочу, чтобы все это увидели» - говорит о своей работе художница, и лучше описать ее творчество нельзя. Великодная работает открытым «счастливым» цветом и простыми формами. Ее композиции декоративны и в то же время несут в себе острую художническую наблюдательность. Художница подмечает и передает отражение спинки стула в лужице на столе пустого уличного кафе, седоватый налет на круглых боках тыквы. Работая в технике гобелена Великодная остается живописцем – играет с фактурой тканой поверхности, направлением нити. Обобщая форму, вместе с тем передает ее фактурные особенности и строит глубокое иллюзорное пространство.

            Основная творческая тема Елены Гориной – образ чувства. «Пишу не предмет и не пейзаж, а чувство, которое переживаю – то, что трогает и восхищает в происходящем». Как земными материалами выразить чувство, передать тонкую материю невидимого? «По сюжету и прием» - художница работает в манере плотного письма, в котором сплавляются цвет, солнечный свет, воздух, мокрый снег, жаркое марево и летний дождь. Ее живопись cложно разложить на составляющие, сложно говорить о фактуре и динамике мазка, о глубине пространства, композиции и  моделировке формы. Вибрирующая изменчивая живописная материя произведений Елены Гориной словно и нерукотворна. Образы возникают из света и цвета и в них же растворяются.

Владимир Солдатов – художник театра и график. Даже в карандашных набросках старой лестницы виден острый взгляд сценографа – в компоновке пространства, в ясно читающейся характерности «модели», в умении на небольшом пространстве листа создать иллюзию театрального пространства, во «всамделишность» которого веришь как ребенок. Даже станковые работы Солдатова несут печать «театральноcти», проявляющейся, вероятно, в яркой «говорящей» характерности объекта или места.

Живописец Андрей Коровин исследует пластические связи реальности и абстракции. «В процессе накопления опыта рисования и живописи с натуры у меня появилось второе направление в работе – абстрактное. Возникло желание выражать отвлечённые чувства, понятия, идеи – образы, которые не привязаны к чему-то конкретному. Циклические переходы от реального к абстрактному и обратно являются для меня естественными и необходимыми: одно направление помогает другому, дополняет его чем-то новым». Реальность и абстракцию в работах Коровина разделить сложно – абстрактные формы имеют очевидные аллюзии с природными. Давая сюжетное название работе, художник абстрагирует и обобщает форму, но при этом дает невероятно реалистическую цветовую картину – точно передает освещение первого дня весны, зимних сумерек, рассеянный «музейный» холодноватый свет.

Максим Щепетов определяет свою главную  творческую тему как «зримые ритмы жизни». Для меня же суть его живописи – счастливое «наименование видимого» - «Клумба», «Гараж», «Мент с цветами». В его творчестве – детская радость узнавания мира, лишенная рассудочности, соображений декоративности и изобразительной убедительности.  Как в стихотворении Овсея Дриза: «Вот я вижу: куст растет в саду/
Воробьи играют в чехарду/
Вижу пса смешного своего/
А теперь не видим ничего!». И неизменно «получается красиво».

Елена Щепетова график, работает преимущественно в технике пастели. Балансирует на грани абстракции и предметного. Но как в ее абстрактных работах видны природные формы, так и в предметных композициях видна тонкая грань, за которой начинается абстракция. Ее работам присущи простота и монументальность форм, изысканная гармония цветовой гаммы, завораживающая фактура поверхности пастели.

Творчество Ольги Карелиц на выставке представлено скульптурой и керамическими пластами. Главная героиня ее работ – женщина, предстающая в разных образах, но неизменно преисполненная грации, изящества и самодостаточности. Пластика ее моделей элегантна, а сдержанная экспрессия проявляется в повороте головы, жесте.  Выбор исключительно «женской» темы объясняется тем, что художница видит скульптуру как вид искусства наиболее близкий женской натуре. «Скульптура земная, осязаемая, даже плотская. Моя работа – процесс познания, воплощение эмоции через форму и объём». Её скульптуры «держатся» в любом пространстве. И «держат» любое пространство. На этой выставке она – пластическое связующее звено ансамбля. У неё есть и юмор, и ирония, и монументальность, и каприз, и сочный цвет. Её работы находятся в активном диалоге с соседними работами других авторов.

Отдельно следует сказать о композиции выставки. Ее авторство принадлежит Владимиру Солдатову. Экспозиция, как по сценарию, создаёт определенные взаимоотношения между работами разных художников, помогает воспринимать всех вместе и каждого в отдельности. Совсем разные работы (по стилистике, форматам, технике) соседствуют между собой, не мешая, а дополняя друг друга, усиливая оттенки восприятия. Средствами экспозиции в пространстве зала создана  игра форм и объемов, подчеркнуты сходства и различия в трактовке заданной темы.

Работы всех участников выставки по замыслу Солдатова были объединены на двух центральных выгородки, чтобы зритель мог оценить идею показать единство творческой темы художников. Каждому мастеру при этом было предоставлена своя территория между отдельных выгородок, где они могли подчеркнуть свои индивидуальные особенности. Солдатову удалось связать и эти части экспозиции в единое целое. Персональные экспозиции каждого из участников связаны между собой «ниточками», проходящими через «общий центр». Разными изобразительными средствами и в разных жанрах художники говорят об одном – об ощущении жизни, разнообразии ее форм, цветов и запахов, о ее скорости и покое. И этот многоголосый хор звучит сильно и стройно.

Юлия ДЬЯКОНОВА,

искусствовед

   ГЛАВНАЯ

ХУДОЖНИКИ

ПУБЛИКАЦИИ

ВЫСТАВКИ ГОДА

ВЫСТАВКИ-АРХИВ

НАШИ ДРУЗЬЯ

КОНТАКТЫ

vne-art@yandex.ru